William Hogarth

William Hogarth nacque il 10 novembre 1697 a Londra, nel pieno della Gloriosa Rivoluzione, un periodo segnato da tensioni politiche e religiose. Suo padre, insegnante di latino, ha avuto difficoltà finanziarie che hanno influenzato la sua giovinezza. All'età di 15 anni divenne apprendista orafo e incisore, dove perfezionò la sua arte. Dopo essersi liberato dai vincoli della bottega, si mise in proprio come incisore e iniziò a produrre opere di satira sociale che gli valsero una certa notorietà. Nel 1729 sposò Jane Thornhill e scoprì il successo della scena satirica londinese con le sue incisioni e dipinti. Il suo stile è caratterizzato da un approccio narrativo, da una vigorosa rappresentazione della vita quotidiana e da un'attenta osservazione dei costumi del suo tempo. Nel corso della sua carriera, ha prodotto opere iconiche come "A Harlot's Progress" (1731) e "A Rake's Progress" (1735), che esploravano le tragedie dell'esistenza umana. Hogarth divenne un critico sociale e un pioniere della stampa satirica, sviluppando le proprie teorie sulla bellezza e sull'arte. La sua ultima opera, "Sigismunda in lutto sul cuore di Guiscardo" (1759), denota una spiccata maturità artistica. Morì il 26 ottobre 1764 a Chiswick, dove è sepolto. La sua casa è diventata un museo in sua memoria.

Il lavoro di William Hogarth è riconosciuto per il suo approccio satirico e morale, nonché per la sua capacità di raccontare storie attraverso l'arte. La sua tecnica mescola umorismo e critica sociale, riflettendo la realtà della vita quotidiana nella Londra del XVIII secolo. Utilizza spesso scene di vita quotidiana e personaggi tipici per denunciare i difetti morali e le pratiche corrotte della società del suo tempo. I colori nei suoi dipinti sono vividi e le sue composizioni sono attentamente progettate per guidare lo spettatore attraverso la narrazione di ogni opera. Hogarth è interessato anche alle serie narrative, dove ogni dipinto racconta parte di una storia complessiva, come si può vedere nelle sue famose serie "A Harlot's Progress" e "A Rake's Progress". Il suo uso dell'automatismo satirico gettò le basi della moderna incisione e dell'arte caricaturale, rendendolo un pioniere nell'uso dei messaggi sociali attraverso l'arte visiva.

William Hogarth è considerato uno dei pittori più influenti dell'Inghilterra del XVIII secolo. Ha svolto un ruolo cruciale nello sviluppo di una scuola di pittura inglese che si è emancipata dalle influenze fiamminghe e italiane. Il suo impatto sull'arte inglese è immenso, in particolare attraverso la sua capacità di evolvere generi pittorici, come la ritrattistica, i paesaggi urbani e la satira. Le sue opere sono state ampiamente riprodotte e il suo approccio alla narrazione visiva ha ispirato generazioni di artisti, tra cui figure importanti come John Constable , Thomas Gainsborough e persino fumettisti come James Gillray e George Cruikshank. Al di là delle arti visive, il suo lavoro ha avuto ripercussioni nella letteratura e nella cultura popolare, ispirando drammaturghi come Henry Fielding e altri critici sociali della sua epoca. La sua visione della bellezza, esposta nel saggio "L'analisi della bellezza" (1753), sollevò interrogativi sugli standard estetici e sulla bellezza morale, influenzando così i dibattiti estetici per i secoli a venire.

Durante la sua vita, William Hogarth partecipò a numerose mostre, ma fu determinante anche nella realizzazione delle prime mostre d'arte in Inghilterra. All'inizio degli anni Trenta del Settecento contribuì a mostre di beneficenza per l'Ospedale dei Trovatelli, che promuovevano le sue opere e sostenevano una causa sociale. Successivamente, nel 1745, organizzò una vendita delle sue opere, tra cui alcune delle più famose come "A Harlot's Progress" e "A Rake's Progress" per raccogliere fondi, segnando l'emergere dell'arte come mezzo di raccolta fondi. Nel 2006, il Museo del Louvre ha ospitato la prima grande mostra dedicata a Hogarth in Francia, riunendo opere emblematiche e riflessioni sulla sua eredità. Questa mostra ha evidenziato la modernità del suo lavoro e la sua continua influenza sull'arte contemporanea, compresi gli artisti moderni che ancora si occupano dei suoi temi di satira e moralità sociale.